Gasolina na monotonia

O fogo é um elemento vivo, hipnótico e, fundamentalmente, poderoso. Como um deus dançarino que carrega em sua coreografia desordenada o dom da vida e da destruição, que tanto ilumina quanto pode hospedar as trevas se dispara sem arreios. Se alimentamos em nós a chama da insatisfação, incorporamos algo que se assemelha ao fogo e, se ela é avivada por qualquer motivo, aí a centelha se faz incêndio. Que se alastra pela alma daqueles que comungam do mesmo descontentamento. Que instiga e transforma. Essa mensagem parece estar implícita, recorrente no discurso fervoroso e na sonoridade explosiva de Rasgacabeza(2019), o segundo álbum cheio do combo Francisco, el hombre. Incendiário e feito para as pistas, o esperado trabalho dessa banda que reúne brasileiros e mexicanos tem veias que pulsam aceleradas e por onde corre o sangue do inconformismo e da provocação.

Francisco, el hombre segue um rumo natural que, de alguma forma, foi traçado pelo álbum anterior e que revelou o grupo para os brasileiros antenados com novas batidas, o excelente Soltasbruxa (2016). Assisti esse bando de loucos em Brasília há um ano num show catártico daquele disco e cuja sonoridade se mostrou melhor e mais íntegra do que a gravada em estúdio. Ali já se via engajamento, uma preocupação em sacudir o marasmo, de chamar a galera pra roda do ativismo. E desde sempre trazia a memória o som e a sandice iluminada de outro grupo de celerados, pela performance no palco e pela mistura anárquica de ritmos latinos e rock que promoviam, Mano Negra, de onde saiu Mano Chao, que fez relativo sucesso entre os amantes da música alternativa e da marijuana na década passada. Meio circenses, meio performáticos, como num universo muito próprio, chamavam atenção com atrevimento e alegria para a realidade que nos cercava.

Assista "Adrenalina": 
https://www.youtube.com/watch?v=FIH7_pTd9f4

Se parte da energia do álbum anterior instigava a pro-atividade, esse Rasgacabeza pega mais pesado e é mais direto, ainda que se utilizando por diversas vezes da metáfora do fogo. Porque a realidade do ano passado para cá mudou. Da esperança da continuidade de um governo mais preocupado com a justiça social para um executivo destemperado e despreparado para um mundo que exige cada vez mais equilíbrio e sintonia com a igualdade, com uma cabeça mais aberta. Então “rasgue a cabeça” e mergulhe num estado de espírito que afaste de vez essa espécie de sonambulismo que parece ter contagiado a nação. Ou seja, é hora de “tocar gasolina na monotonia”, de acordar e incendiar em nós a alegria de viver, como sugere “Chama adrenalina: gasolina”, música que abre o álbum e dá o tom exato do que vai vir pela frente, com levada punk e a eletricidade típica de quando se une rock e eletrônica, com direito a faíscas para todos os lados.

Esse é um dos diferenciais do novo disco em relação ao de 2016. Francisco, el hombre se apropria um pouco mais da música eletrônica para cantar suas letras incendiárias e engajadas. “Chão, teto, parede: pegando fogo” é um mantra incendiário que toca fogo em tudo, chão, teto e parede, que chama para a pista num crescendo, que reúne pegada tecno e rock, que lembra o punk eletrônico de expoentes do gênero, como The Prodigy, A sequência é orgânica e abre espaço para a mesma mistura dançante da ótima “Travou: tela azul”, sobre a relação passiva do homem com a cidade grande, desse sentimento paralisante de não interagir com a metrópole, com a integração viva que ela exige: “Medo de cair da rotina, assim, sem amor aqui/Dá pra se iludir, da pra porra. Travou, morreu com muito sonho na cabeça”. Não se envergonhe de bater os pés no chão com a eletricidade da música, até de dançar no seu quarto de portas abertas. Deixe pegar fogo. Dance pra não dançar.

“Encaldeirando: aqui dentro tá quente”, outro dos pontos altos do disco, se entrega a uma mistura alucinada de ritmos, característico do grupo que tem dois mexicanos e três brasileiros de Campinas(SP), com toques de funk para esquentar ainda mais a relação já buliçosa entre disco e ouvinte. “Meu fogo não é palha, se espalha, te incendeia./Sou uma idéia que não queima, o estopim”, avisam em coro, para depois chamar à luta, reforçando o espírito combativo do trabalho: “Tá com medo do que? Dá a sua cara à tapa”. Esse espírito, essa sangria imperativamente desatada repete-se em outras canções afogueadas que usam de muitos ritmos para inspirar escaldantes reações nas pistas. A exemplo de “Manda bala: não preciso de você”, que se emprenha do rap e batidas percussivas para nos envolver, e “Se hoje tá assim: imagina o amanhã”, a mais descaradamente engajada do álbum: “Viatura dita o medo/na moldura, retrocedo/De Censura vive o medo/ Se hoje tá assim, imagino o amanhã”. Pra ouvir, pensar e, óbvio, como é a proposta renitente do grupo, dançar.

Nessa caudalosa correnteza sonora que nos arrasta há somente um remanso que nos permite respirar, o único momento calmo do disco, “O Tempo é sua morada: celebrar”. Aqui, Francisco, el hombre se esparrama em poesia e bela melodia que lembra, em sua construção marcante, a fantástica “Triste, Louca ou Má” do disco anterior. Rasgacabeza é mais uma bola dentro de Julian Strassacapa, Andrei Martinez, Sebastián Piracés-Ugarte, Mateo Piracés-Ugarte e Rafael Gomes, a reafirmação de uma banda boa praça e inquieta. Essa trupe retorna ainda mais afiada, mais coerente em seu projeto de marcar a vida das pessoas não somente com a pluralidade sonora, mas com um discurso que encha   e desperte o coração da gente. São agentes da alegria com a missão de nos conectar com nosso tempo e rasgar nossas cabeças para o futuro que virá. Arte com engajamento, sem discurso chato e com recursos de sobra pra nos deixar ainda mais vivos e conscientes. É mole ou quer mais?

Cotação: 4

Se link: https://mega.nz/#!FtdmgA4I!DKRDG6cH0oaqJ_esA6IB1GkCkI2GT97YPwNQLLVbgYI

Coração destroçado

O sentimento de perda, essa pulsão de dor provocada pelo afastamento definitivo daquilo que amamos e que parte tão dolorosamente deixando uma ferida aberta. A geografia do luto - que invade os poros e nos deixa num estado de pasmo e tristeza que enegrece até dias de sol – exposta como se em carne viva, inapelavelmente. O que é viver um grande amor e perde-lo num átimo? O que é viver a esperança de um Brasil melhor e ver esse desejo ameaçado pelas trevas? Uma coisa e outra. O que é dito e o que está nas entrelinhas. O literal e a metáfora. Ouvir Mal dos Trópicos (Queda e Ascensão de Orfeu da Consolação (2019), quarto álbum de Thiago Pethit, sugere a imersão nesses dois universos, inspira muitas leituras. Amar uma pessoa e um país  tem paralelos que só o coração traça.

O novo disco de Pethit, lançado cinco anos depois do ótimo Rock´n´roll Sugar
Darling(2014), mergulha coesamente nesse sentimento de perda inspirado no mito grego de Orfeu e Eurídice. Assim como o poetinha Vinicius de Moraes, que escreveu a peça Orfeu da Conceição em 1954, que foi base para o filme Orfeu Negro, produção franco-brasileira que ganhou a Palma de Ouro no prestigiado Festival de Cannes em 1959, e depois Orfeu(1999), de Cacá Diegues. Em todos eles, vemos a clássica história de um homem que se apaixona perdidamente por uma mulher e a perde com a mesma intensidade, tendo como pano de fundo o carnaval. Não à toa, a capa de Mal dos Trópicos traz o rosto do seu autor esculpido em pedra como as seculares estátuas de uma ruína grega.

Veja vídeo de “Noite Vazia”:
https://www.youtube.com/watch?v=rQG3CseRvJA

O carioca Orfeu da Conceição de Vinicius vira aqui o paulista Orfeu da Consolação. Porque em Pethit, a cidade de São Paulo, o bairro da Consolação e outros emblemas da capital são personagens de sua história de desconsolo contada e cantada em cada suspiro do disco. Essas referências  se fundem no álbum ao imaginário da mitologia grega num casamento harmônico. As bacantes dançam no prédio Copan. O amor, como uma esfinge, devora Orfeu na praça da República e em bares paulistanos. Sem dó, nem piedade.

Para contar esse drama de amor e separação, e o luto que remete aquele que sentimos hoje por um Brasil que perdeu a alegria, Thiago Pethit veste-sede tons escuros. “Meu país está em guerra e as leis em minha terra nenhum Deus será capaz de mudar/ Eu vejo o mundo desabar, mas ainda quero ser seu cantor”, anuncia em “Teu Homem”. O artista convocou Baco, Exu, um bocado de sombriedade e uma orquestra de cordas para dar a devida densidade à obra. Convidou também Diogo Strausz, que produziu o trabalho com excelência, dando o tom épico, classudo e grandioso que a proposta sugere. Tudo para se encaixar no conceito do álbum, o amor ferido de morte, com uma levada musical moderna, alcançada por arranjos marcadamente trip hop.

Não me recordo de quem tenha assumido, no Brasil, essa faceta da música eletrônica, o trip hop, com tanto acerto e eficiência. Pethit e Strausz acompanham o manual clássico do trip hop, com beats, orquestração e sonoridade sombria típicas daquele gênero, enxertando aqui e ali toques de batucada brazuca. A exemplo da potente “Mal dos Trópicos”. Todo um lado do disco é dedicado a essas viagens etéreas com hipnótica batida tecno que lembram o que já fez os ingleses do Portishead em Dummy, um dos pontos altos do trip hop. E essa melancolia inata se diz presente desde o início, em
“Abres Alas”, uma quase vinheta em que um ensaio de orquestra rasga espaço para a clareira da voz de Pethit, que prefacia: “Volto, volto, volto, que eu sou filho do sol/ Volto, luto e choro em pleno carnaval”.

O poeta Orfeu que volta, em pleno carnaval, do inferno mitológico de Hades depois de encontrar Eurídice, como reza a lenda grega, canta as mágoas em clima trip hop na sequência, na bela “Noite Vazia”, uma das melhores do disco. Os beats repetidos, e ainda solares, acompanham o cantor paulistano valorizando estrategicamente sua voz, límpida e afinada, numa linda melodia. “Eu sou a cobra, a medusa que transforma em pedra o coração de quem apenas me quer bem”, confessa. E o som imerge ainda mais triphopiniano e, aqui sim, sombrio, em “Me Destrói”, com arranjo meticuloso para desfiar a separação: “Você destrói o meu amor, deixa em pedaços no corredor do apartamento e pelo chão. Eu me pergunto, e agora?/Eu penso em você a toda hora”.

E a melancolia continua a escorrer pelas canções desconsoladas que inspiram o Orfeu da Consolação criado por Pethit. A dor de cotovelo fica explícita em “Orfeu”, com piano lacrimoso, finamente casado com uma das mais fortes melodias e com a melhor letra do CD, um lamento precioso: “Ah, quero seu teu Orfeu, cantar nos teus braços meu poema ateu/ Fazer do teu sexo o meu verso controverso/Meu desejo é festa pagã quando eu te beijo no Copan”. A toada trip hop mantida aqui e em “Teu Homem”, que traz mais presentes elementos do hip hop, dá uma respirada em músicas que caminham por outras praias como a bossanovista “Rio”, com referências claras a Vinicius e Tom Jobim, do violão sincopado ao coro, e “Nature Boy”, clássico do cancioneiro norte- americano, única que não é de autoria do artista.

Mal dos Trópicos é um disco orgânico, conceitual, que sugere certa estranheza se pensarmos no anterior e excelente Rock’n´roll Sugar Darling, álbum alegre e quase lúbrico de Thiago Pethit. Se neste o rock impera pela própria energia que o gênero impõe e com o qual o paulistano dialoga com louvor botando todos pra ferver, no recém-lançado disco há uma inversão na proposta. E isso pode até desestimular o fã e o novo ouvinte. Mas, a coesão da proposta, a reafirmação do talento melódico de Pethit e a melancolia das canções têm força própria e cativa. Basta ouvir com cuidado e atenção esse atestado de maturidade que só prova que esse cara é um grande músico e tem ainda muito a oferecer. É um desafio que vale a pena enfrentar.

Cotação: 4
Baixe: http://www.mediafire.com/file/fbe6qx4gjmaw3pi/Thiago+Pethit+-
+Mal+dos+Tr%C3%B3picos+%28Queda+e+Ascens%C3%A3o+de+Orfeu+da+Consola%C3%A7%C
3%A3o%29+%282019%29.zip

Genialidade intacta

De caminho torto ele entende bem, torto que é. Marginal
que é. Vive à margem, andando no compasso da precisa coreografia
dessa sombra que o persegue. "Marginal é o caralho", diria ele, 
entre uma tosse e o escarro. Entre a careta e o escárnio. Não para 
contestar o adjetivo, mas sim para constatar com ironia o que nasceu 
pra ser. Anda por vias transversas por opção, por que o seu mundo e 
exercício musical o levavam invariavelmente por ali, deixando para trás, 
sem arrependimento, as poucas apalpadelas que deu na bunda do 
sucesso. E ele parece nem está aí pro hit, pro pop, pro Faustão ou
outros arrotos globais. Sensato, coerente como sempre foi com o pacto 
de sangue que fez com um Brasil de vanguarda, de musica atrevida e
inquieta. É esse Macalina, esse Jards Macalé que continua solto, 
feito besta fera, em seu último trabalho, provocante e radical, uma jóia
rara, 20 anos depois do último disco que lançou.



Besta fera(2019, Pommelo) é Macalé de corpo, alma e criatividade.
É um disco agudo, pensado e construído com parceiros que rezam pela mesma cartilha. Se você encontrar elementos parecidos
nas obras de reinvenção de Elza Soares, A Mulher do  Fim do Mundo (2015) e Deus é Mulher (2018), não se espante. Comemore.
Os músicos que se juntaram a musa negra nessa trilha são os que marcaram de se encontrar na mesma encruzilhada proativa
com o mago carioca. Porque essa  simbiose não é coisa do destino, é confluência natural. Estão lá, Rômulo Fróes, Kiko Dinucci, 
Thomas Harres, Clima e Rodrigo Campos, entre outros, que já algum tempo nadam contra a caretice musical e gostam de a
prender a nadar com sábias figuras que tem muito a ensinar. E Macalé já havia mostrado, quando aqueles caras ainda eram
apenas moleques, que o buraco é mais embaixo, que era preciso desafinar o coro dos contentes. Foi assim com Aprendendo 
a Nadar (1974)  e o maravilhoso Contrastes (1977), discos seminais desse grande criador.

O artista passou por poucas e boas no prolongado lapso que o deixou afastado dos estúdios. Quase morreu nas garras de
uma broncopneumonia, mas sobreviveu para se mostrar incurável em sua eterna irreverência. Enganou os bestas, como maquiavélico
malandro que é, desafiou o diabo, comeu o tempo do esquecimento pelas beiradas para voltar ainda mais ácido e torto. As células
do inconformismo se multiplicaram no seu corpo redivivo e geraram música indigesta para os ouvidos pobres no ótimo Besta Fera. ]
Nesse álbum, Macalé passeia pela obra de autores provocadores como ele. Já de início, o soco reverbera em "Vampiro de Copacabana",
música que se ampara na poesia cortante e gutural de Kiko Dinucci. "Ah, o puro breu, dama da noite, caminho torto, ah, olhos de 
sangue", concretismo que inspira um arranjo matador que modula batidas sombrias e samba tradicional, criando tensão 
dramática e maravilhas.

O som nervoso, com um pé no contemporâneo e um pé no passado, se alterna
com uma sonoridade mais serena. "Trevas", a mais radical das composições do
disco provoca hipnose como o transe das estradas, gera o desconforto da criação
que não se adequa ao pop chinfrim ou a MPB assobiável que se ouve nas rádios.
Tem a assinatura de Macalé e de Ezra Pound, com tradução de Augusto de 
Campos, Décio Pignatari e Haroldo de Campos. E isso não é pouco, ainda
mais quando os produtores musicais e arranjadores buscaram estar a altura da
genialidade daqueles caras. E se saem bem nesse desafio. A batida sincopada
da bateria e das cordas em diálogo com uma levada às vezes bossanovista às
vezes jazzística valoriza uma letra que reflete o estupor diante desse país à beira
do abismo bolsonarista. "Chegamos ao limite da água mais funda/Trevas, trevas 
mais negras sobre homens tristes, o caos". É o Brasil desnudado e urgente. 
E ainda tem aqui a sacada do cara que resolveu, num certo momento, gravar o refrão da música com a cabeça dentro de uma 
bacia cheio de água. Pura e deliciosa invenção.

Veja o clipe de Trevas: 

https://www.youtube.com/watch?v=ZOc-gE_da7o

Da mesma lavra de "Trevas", a potente "Pacto de Sangue" tem letra circular e arranjo instrumental complexo, armadilha que nos rende 
inevitavelmente. "Seu pai não quer que você se perca na cidade má e misteriosa que ele mesmo fez e desconhece", canta ele, com 
seu inconfundível e grave vozeirão, a herança que deixamos no embate diário com a cidade grande, essa inter-relação viciada que traceja
amor e ódio numa trama autofágica. Incisividade poética que se mantem poderosa na bela "Peixes", com referência lúdica ao mestre 
Dorival Caymmi e que traz uma química perfeita com a convidada Juçara Marçal, parceira  talentosa e constante dos projetos musicas 
da super turma paulista que ajudou a produzir o disco. Moderna e chapante, "Limite", com letra da vanguardista Ava Rocha, é outra 
surpreendente criação de levada etérea, estranheza e belíssima interpretação de Macalé, acompanhado de guitarra dolorida 
tocada por Dinucci.

E tem um outro Macalé, em tom menor, mas não menos impressionante em canções como "Obstáculos", plena do violão virtuoso e 
único do artista e carregada de uma melodia triste, linda, com certeza um dos pontos fortes e mais intimistas do álbum. Nela persiste 
uma declaração pessoal dos perrengues que o músico passou em toda sua incandescente vida: "Entre vidros e cascalhos, entre espinhos 
e vergalhos, vou levando a vida assim/ Tem montanhas, obstáculos, tem pedreiras, não derrapo, tenho mesmo que seguir". "Besta Fera", 
que dá nome ao disco, e que tem letra de Gregório de Matos, também se ilumina com um som de saxofone dissonante ao dedilhar do 
cavaquinho, casamento que rende um samba estranhamente delicioso. "Eu sou aquele com o passar do ano cantei minha lira maldizente, 
torpezas do Brasil, vícios, enganos".  Arranjos mais tradicionais mapeiam outros momentos tranquilos do álbum como a bossanovística 
"Meu amor Meu cansaço" e "Tempo e Contratempo", um retorno ao velho Macalé que flerta com o suingue sem perder o rebolado e, 
por fim, no samba puro de melodia marcante "Longo Caminho do Sol", que já pode ser considerada um clássico do cancioneiro "macalista". 

Jards Macalé, 20 anos depois de O Q Faço é Música (1998) retorna com todo
o gás da inventividade, espanando a poeira da estagnação e chamando para si,
mais uma vez, a responsabilidade de abalar a estrutura de nossa MPB careta.
Besta Fera é obra perene que marca o início de ano, uma lufada de modernidade e
ruptura. Porque música nos ajuda a salvar dos males da vida, dos abismos, e a
chacoalhar com nosso cérebro. Com Macalé, qualquer um pega no tranco. É
sonoridade com tutano e bom gosto. Que seja inspiração para essa geração como
o foi para gerações do passado. Que Macalina seja o futuro.

Cotação: 5

Se arrepie:

https://mega.nz/#!AllTCSLB!UlDdn935OZZZVHs5e7H15_HUdbU-uWfbMasgZZwDVS0

ResponderEncaminhar

Som plugado em desfibrilador

Dinucci faz de Corte Curto, som para despertar os sentidos

Sabe quando trava, quando os sentidos levam uns bem dados sopapos e o cérebro que andava seguindo o compasso de todo o mundo de repente rema contra a maré, rima com o inesperado? Curtos-circuitos necessários. Porque toda cabeça, de Guiné-bissau a Tókio, de Flecherinhas a Curitiba, sempre aguarda solavancos que a tirem da caretice que nos aprisiona muitas vezes numa letargia perigosa, nessa armadilha tão fácil de cair. Ai de nós que se deixamos pegar. Daí a sacudida ser remédio, ser cura. O paulista Kiko Dinucci, desde algum tempo, tem oferecido uma fórmula pra gente sair do normal, essa alquimia transversa que só a música comporta. Esse workaholic dessa São Paulo vanguardista, dessa gente que chuta nossa canela e chocalha nosso cérebro, chega com novo trabalho com nova sonoridade com nova porrada feita para acordar. Despertador. E desperta sons elétricos, plugados em desfibrilador, abre chagas com vômitos e escarradas que vão velozes pro buraco de nossa orelha. E assim Cortes Curtos (2017) provoca estranheza mas também beleza porque a música desse cara tem muque e concretude, jeitão de blockbuster pra tremer a alma.

Veja curta-metragem sobre o processo de gravação de Corte Curto:

https://youtu.be/MCIA6wO_RMQ

Cortes Curtos é o primeiro disco solo de Dinucci. Quem está ligado no mercado alternativo da música brasileira que interessa, sabe que o compositor é também guitarrista de dois projetos superbacanas e que gerou frutos tenros e promissores, o Metá Metá e o Passo Torto. Mas, o paulista também já deixou sua assinatura robusta, em idéias e cordas elétricas, nos discos não menos elogiados pela crítica especializada das feras Juçara Marçal, entre outros Padê (2008) e o encantado Encarnado (2014), parceira de toda hora, e Elza Soares, leia-se nesse caso, o espetacular Mulher do Fim do Mundo. Todos eles trabalhos que carregam uma forte carga experimental e que estão comprometidos não com a moda ou com o senso comum mais simplesmente com a vontade de se fazer uma música autoral, antenadas com o coração de quem está por trás dela. E que tem o tom, sim da vanguarda, de outros iluminados como Itamar Assumpção e Rômulo Froes, só para citar dois desses provocadores.

Juçara Marçal, parceira de toda hora, também brilha em CD

E o que é o corte curto na linguagem imagética do cinema senão a frenética interrupção de uma cena para a seguinte, que perturba a visão e mexe com os sentidos. Como flashes rápidos, como socos ligeiros, como o último trabalho de Dinucci. “Ele é mais filme do que disco, ouça numa tacada só, ouça em volume alto se for possível”, definiu o autor na apresentação do CD. Como um filme de Godard na intenção do transe, mas com pegada abrasiva de Tarantino. Pode isso, Arnaldo? Pode com certeza. Porque tudo no disco tem a marca intensa do onipresente Dinucci, em suas guitarras, já reconhecíveis de imediato, com espírito atonal e deslizes metaleiros, como na música que abre o “filme”, “No Escuro”, composta com Wandi Doratiotto, em que profusão instrumental claramente experimental e em velocidade estonteante acompanha letra de frase única, “No escuro, uma pedra vira um muro”. E essa pedrada vira mesmo. Irmã siamesa, a tresloucada “Desmonto sua Cabeça” vem na seqûencia em perfeita simbiose com a anterior, em corte curto, em poesia concreta, corte seco: “Desmonto sua cabeça/Eu tenho mas não uso/Remonto sua cabeça/E sobra parafuso”. Pode, Arnaldo!

E nossa cabeça se desmonta ao longo de Cortes Curtos. E se remonta nos caminhos tortuosos inspirados pelo disco, se encontrando multifacetada em melodias de apreensão não tão fácil mas que, com boa vontade, conquistam o coração da gente pela autoridade da proposta. Esse universo barulhento e por vezes, alucinado, tem por dentro um fio de paixão que imanta as composições e nos fazem levitar. A linda “Chorei”, de Beto Vilares, em dueto afinado com Juçara Marcal, ganha ares épicos mantendo ao fundo uma doce harmonia que acompanha a letra crua, pontual e direta: “Chorei quando vi você nascer/Chorei pra valer”. Dinucci é piloto experiente de vôos rasantes, porrada doída e reveladora de uma São Paulo tão cosmopolita quanto violenta, como na ótima “Uma Hora da Manhã”, em que descasca o preconceito de cada dia em letra que narra a briga, no supermercado Extra na avenida Brigadeiro, de uma nordestina com um homossexual. Diálogos da madrugada. Escanfandrista de mergulhos sem fim, Dinucci canta em “Seus Olhos”, em parceria com Sinhá: “Seus Olhos tem o tamanho da minha ferida”. De novo, curto e grosso e banhado em sonoridade pesada, com guitarra guerreira e hipnótica.

Mas Dinucci é capaz também de momentos mais leves. Se bate, pode assoprar, a exemplo de “O Inferno Tem Sede” e a “Morena do Facebook”. A primeira, amorosa, conta com a participação especial da especial de Tulipa Ruiz, uma delicada música pop na raiz e encantadora na superfície. A segunda, bem humorada, tem compasso lento, passo praiano, curta-metragem da vida real em contraponto a vida virtual: a morena do facebook que não enxerga os admiradores que passam ao seu lado é real ou virtual? As mulheres, aliás estão presentes de forma significativa no álbum. Além de Tulipa, tem a maravilhosa Ná Ozzetti, na circense “Inferno Particular”, e outras duas musas da vanguarda paulista, a já citada Juçara Marçal e Suzana Salles, essas em vários momentos desse disco cheio de belos lampejos. E tem os manos, figuraças pra lá de talentosas, como Thiago França, Rodrigo Campos e Rômulo Froes, só para listar aqueles com belos discos na bagagem. Não é pouco. Certeza: esse cara está bem acompanhado. Tudo isso credencia Corte Curto a tocar merecidamente em seu player. É disco para entranhar e se ter na memória. Porque curtos-circuitos na alma são mais que necessários.

Cotação: Ótimo

Pra download em alta rotação no site do artista:

http://kikodinucci.com.br/